Cicala, Arena: Convergence(s)

Description

English

Converge (v.) = 1690s, to tend toward one point, moving from different points: approach near together, from Late Latin convergere to incline together from assimilated form of cum with, together + vergere to bend, turn, tend toward (*wer- to turn, bend). Related: Converged; Converging; Convergence.

The Rapsodia per Quattro Chitarre for Guitar Quartet and Electronics [1] is a composition that, by its very nature, does not follow a pre-established stylistic pattern but shows itself in its spontaneity, just as it was conceived. A vigorous and energetic introduction, themes in canon and fugato style, progressions and virtuosities: are all elements that make it particularly suitable for enhancing the technical/timbric characteristics of the guitar. This creates a balanced and polychromatic mixture of timbres in which the four players are perceived by the listener almost as a single solo instrument. The rhapsodic character is also maintained in the electro-acoustic prelude: the gestural elements, variously hinted at the beginning, slowly converge, in various combinations, towards the finale together with the guitar samples, giving rise to a sound aggregate that winks at a contrapuntal game, both rhythmic and spatial.
Immagini riflesse for String Quartet and Electronics [2], through the use of contrapuntal techniques, develops the fugato theme of the second violin, constantly “reflected” in the other instruments and, from time to time, repurposed within a different harmonic context. On the other hand, the electro-acoustic prelude is composed of a single movement in which changing harmonies merge into a single bordone. Now the “reflections” are no longer given by the fugato character of the Quartet but arise from the echoes of the violin harmonies which, in a kaleidoscopic interaction, (re)combine and interpenetrate each other through a circular process of morphing.
Ritratto di un viaggiatore solitario [Portrait of a Lonely Wanderer] for Flute, Bb Clarinet, Violin, Cello and Piano and Electronics [3], is freely inspired by the painting Wanderer on the Sea of Fog by Caspar David Friedrich, of which this piece attempts to summarize the main characteristics right from the first indication in the score (e.g.: Riflessivo). Wandering, constantly searching for something and for himself, the wanderer of the famous painting bursts into music through some sudden modulations. The general atmosphere is as hazy as the sea of fog above the natural landscape, with ill-defined features interspersed with isolated flashes of light. The gaze is lost in the depths of space and time. Similarly, the reverberation of each sound object that makes up the electro-acoustic prelude stretches out until it reaches the horizon beyond the mountains, and echoes freely. The sound materials resonate, sway, float lightly, stand out in the three dimensions of space and intertwine like immaterial threads of light and shadow.
Osìris for Clarinet E-flat and Electronics [4] is a voyage of discovery that the composer takes us on, parallel to the famous myth of Osiris and Isis, in a desperate search for the body of his brother/companion. Amidst dunes and pyramids, we find the main theme exposed, in a different way but with a referential incipit, in all the tempo changes and in the three parts that make up the piece (Allegretto, Misterioso, Presto). The embellishments never lead to excesses but amplify the musical discourse and make it more fluid. The clarinet, as if speaking, invites us to the most intimate reflection. The rhythmic articulation breaks up in the electro-acoustic prelude through granular techniques. The phrases now break down into sound segments of varying lengths that are layered together and, like splinters, move in a centrifugal and centripetal direction. The rhythm is pulverized and transformed into telluric shocks that generate sound aggregates and timbral mixtures in long breath periods, in which coexist, at the same time, the expressive rhythmic tension of the Allegretto phrases, the relaxed melancholy of the Misterioso and the pulsating motion of the Presto.
Daidalos for solo Violin and Electronics [5] is inspired by the famous architect of Greek mythology, the builder of the famous Minotaur’s labyrinth. Similarly, the piece is mainly configured as a musical labyrinth: it has only one starting point and several exit points. The performer necessarily has to make choices during the performance. The musical elements are easily recognisable and perfectly composable. No specific tempo indications are given, but only a few generic indications. In the electro-acoustic prelude, the most evocative element is represented by the “voice” that emerges from oblivion and, from far away, comes down to us in memory of the ancient myth. It is the voice, sometimes evident, sometimes subterranean, that is Ariadne’s thread guiding the listener through the intimate sound interstices of the labyrinth.
Moto interiore for String Quartet and Electronics [6] represents, in a way, a full musical transfiguration of states of mind, which oscillate from stillness to agitation, and in which assonances and dissonances mix and alternate, creating a kaleidoscopic and suggestive sound portrait. In the electro-acoustic prelude, an inner sonic portrait is well delineated starting from the instrumental incomes of the Quartet. The prelude expands into a powerful oneiric space, in which the principle of antecedence gives way to the synchronic whole. The dialectical element, dictated by the rhythm, dissolves into the reverberating space of timeless memories. In other words, the inner motion is now a stream of consciousness.
Michele Arena & Leo Cicala © 2022

Italiano

Convèrgere = lat. convergere comp. di con = cum insieme e vergere volgere, tendere (v. Vergere) – Andare gradualmente a terminare a un medesimo punto, movendo da punti diversi; detto propriam. di linee, piani, raggi e simili. Deriv. Convergènte, onde Convergènza.

La Rapsodia per Quattro Chitarre per Quartetto di Chitarre ed Elettronica [1] è una composizione che, per sua natura, non segue uno schema stilistico prestabilito ma che si mostra nella sua spontaneità, allo stesso modo in cui è stata concepita. Un’introduzione vigorosa ed energica, temi a canone e in stile fugato, progressioni, ribattuti e virtuosismi: tutti elementi che la rendono particolarmente adatta ad esaltare le caratteristiche tecnico/timbriche della chitarra. In tal modo, si crea un’equilibrata e policroma mescolanza di timbri in cui i quattro esecutori sono recepiti dall’ascoltatore quasi come un unico strumento solista. Il carattere rapsodico è mantenuto anche nel preludio elettroacustico: gli elementi gestuali, variamente accennati all’inizio, pian piano convergono, in varie combinazioni, verso il finale insieme ai campioni di chitarra, dando luogo a un aggregato sonoro che ammicca ad un gioco contrappuntistico, sia ritmico che spaziale.
Immagini riflesse per Quartetto d’Archi ed Elettronica [2], attraverso l’uso di tecniche contrappuntistiche, sviluppa il tema fugato del secondo violino costantemente “riflesso” negli altri strumenti e, di volta in volta, riproposto all’interno di un contesto armonico differente. Per contrasto, il preludio elettroacustico si compone di un unico movimento in cui armonie cangianti si fondono in un unico bordone. Ora i “riflessi” non sono più dati dal carattere fugato del Quartetto, ma nascono dagli echi delle armonie dei violini che, in un gioco caleidoscopico, si (ri)combinano e si compenetrano tra di loro attraverso un processo circolare di morphing.
Ritratto di un viaggiatore solitario per Flauto, Clarinetto in Sib, Violino, Violoncello e Pianoforte ed Elettronica [3], è liberamente ispirato al dipinto Viandante sul mare di nebbia di Caspar David Friedrich, di cui questo brano cerca di riassumerne le principali caratteristiche già dalla prima indicazione in partitura (es.: Riflessivo). Errabondo, alla continua ricerca di qualcosa e di sé, il viandante del celebre dipinto irrompe, in musica, attraverso alcune modulazioni improvvise. L’atmosfera generale risulta nebulosa come il mare di nebbia che sovrasta il paesaggio naturale, con tratti poco definiti, intervallati da isolati sprazzi di luce. Lo sguardo si perde nella profondità dello spazio e del tempo. Similmente, il riverbero di ciascun oggetto sonoro che compone il preludio elettroacustico si distende fino a raggiungere l’orizzonte oltre i monti, e riecheggia libero. I materiali sonori risuonano, ondeggiano, fluttuano leggeri, si stagliano nelle tre dimensioni dello spazio e si intrecciano come immateriali fili di luce e di ombre.
Osìris per Clarinetto piccolo in Mib ed Elettronica [4] è un viaggio di ricerca che il compositore ci porta a compiere, parallelamente al celebre mito di Osiride e Iside, alla dispera ricerca del corpo del fratello/compagno. Tra dune e piramidi, ritroviamo il tema conduttore esposto, in maniera diversa ma con incipit di rimando, in tutti i cambi di tempo e nelle tre parti che compongono il brano (Allegretto, Misterioso, Presto). Gli abbellimenti non sfociano mai in eccessi ma amplificano il discorso musicale e lo rendono più fluido. Il clarinetto, come se parlasse, ci invita alla riflessione più intima. L’articolazione ritmica si frantuma nel preludio elettroacustico attraverso tecniche granulari. Le frasi si scompongono ora in segmenti sonori di lunghezza variabile che si stratificano tra di loro e, come schegge, si muovono in senso centrifugo e centripeto. Il ritmo si polverizza e si trasforma in sussulti tellurici che generano aggregati sonori e impasti timbrici in periodi di lungo respiro, in cui convivono, al contempo, la tensione ritmica espressiva delle frasi dell’Allegretto, la malinconia distesa del Misterioso e il moto pulsato del Presto.
Daidalos per Violino solo ed elettronica [5] è ispirato al celebre architetto della mitologia greca, costruttore del famoso labirinto del Minotauro. Similmente, il brano si configura come un labirinto musicale: ha un solo punto di inizio e diversi punti di uscita. L’interprete deve necessariamente prendere delle scelta di volta in volta in fase di esecuzione. Gli elementi musicali sono facilmente riconoscibili e perfettamente componibili. Non si forniscono specifiche indicazioni di tempo ma solo indicazioni generiche. Nel preludio elettroacustico è l’elemento maggiormente evocativo è rappresentato proprio dalla “voce” che emerge dall’oblio e, da molto lontano, giunge fino a noi in ricordo dell’antico mito. È la voce, a volte evidente, a volte sotterranea, ad essere il filo di Arianna per guidare l’ascoltatore negli intimi interstizi sonori del labirinto.
Moto interiore per Quartetto d’Archi ed elettronica [6] rappresenta, in un certo modo, una piena trasfigurazione musicale degli stati d’animo, che oscillano dalla quiete all’agitazione, e in cui assonanze e dissonanze si mescolano e si alternano, creando un ritratto sonoro caleidoscopio e suggestivo. Nel preludio elettroacustico il ritratto sonoro interiore (che sarà poi ben delineato dagli interventi strumentale del Quartetto) si dilata in un potente spazio onirico, in cui il principio di antecedenza cede il passo al tutto sincronico. L’elemento dialettico, dettato dal ritmo, si dissolve nello spazio riverberato dei ricordi senza tempo. In